Художница Ольга Грищенко:«Я себя люблю, и мне нравится все, что я делаю»

Ольга Грищенко создает необычные картины в двух цветах — черном и золотом. Творит под псевдонимом Olei Soleil и закладывает в свои работы философский смысл. При этом к картинам подходит как к продукту, который нужно создавать для определенной аудитории, грамотно продвигать и продавать по достойной цене. Ольга рассказала «Морсу», что такое художественное стратерирование и кто такой «качественный покупатель».

Оля, знаю, что ты по образованию экономист. Как получилось, что ты стала рисовать?

— У меня большая эстетическая насмотренность и тонкое чувствительное восприятие!

Я не любила читать лет до 13, но любила музыку и австралийскую группу Savage Garden. Как-то случайно наткнулась на интервью с солистом Дарренном Хэйзом, где он рассказал, почему они назвали группу «Дикий сад», и упомянул вампира Лестата. Я заинтересовалась и познакомилась с произведениями Энн Райс «Вампирские хроники». Так стал раскрываться мой эстетический кругозор. Потом подтянулись остальные книги. И то, как в них описывались историческая подоплека событий, искусство, жизнь художников, создание музыкальных произведений, архитектура, литература, музыка, хлынуло на меня! 

В школе уроки литературы Валентины Ивановны Королевой практически были уроками по искусствоведению. Любой этап литературы она рассказывала обширно, в контексте истории, архитектуры, живописи. Литература стала моим любимым предметом в школе, я напитывалась ей!

Однажды я слушала Lacrimosa Збигнева Прайснера на репите, и где-то на восьмом прослушивании у меня случился реальный катарсис. Не знаю, как у меня от этой энергии потолок не прожгло. Я стала видеть какие-то цветовые плоскости в уме, и поняла, что хочу это выразить! 

А еще как-то астролог мне сказала, что мое направление — это творчество. Но вот что парадоксально: я никогда себя не видела в творчестве. 

Не допускала мысли, что так можно?

— Оказывается, можно! В мой 24-й день рождения — 2 ноября 2013 года — я гуляла по центру, слушала в наушниках Knockin’ on Heaven’s Door Боба Дилана и вдруг подумала: «Почему я никогда не была в галерее „АЯ“ у Олега Радина?». Шел дождь, я посмотрела на свои грязные кроссовки и сначала засомневалась, но потом передумала и пошла. В галерее была единственной посетительницей. И вдруг из своей каморки выходит Олег Михайлович и говорит: «Здравствуйте!». Мы не были тогда знакомы. Я поздоровалась, сказала, что у меня сегодня день рождения. Радин схватил первую попавшуюся картину и подарил мне. До этого мне никто никогда не дарил картины, и дома у меня не было картин, и тут мне дарят целую картину в багете под стеклом — «Осенний цветок любви»! Мой восторг передать было невозможно! Я ее несла и обнимала. Может быть, это и было тем самым импульсом, который можно профукать, а можно от него начать новый отсчет.

Вскоре, на новый год я нарисовала акварелью абстракцию, получилось красиво. А потом накупила красок, грифелей, уголь, бумагу и стала рисовать. Изучала графику мастеров или просто листала Esquire. Если нравилась какая-то фотография или графика, я ее рисовала. Сразу стало получаться нормально: глаза на месте, мимика передана. Я подумала: «Вау!» и стала пробовать дальше.

Пошла учиться?

— У меня было желание поступить в художественный вуз, но тогда я уже работала в агрохолдинге экономистом, мне нужно было зарабатывать, и о получении образования не могло быть и речи. 

Я нигде не училась. Представляла, что уже умею рисовать, и говорила: «Если кто-то это умеет делать, то и я могу! Попробовать же мне никто не мешает». И вот я начинаю представлять, что у меня есть мастерство, примеряю на себя образ художника — и все начинает получаться. 

А еще надо включать насмотренность. Тем, кто только начинает, можно изучать гравюры Альбрехта Дюрера и пробовать их копировать. Начать хотя бы с фрагментов, чтобы понять, как это делать, а потом рисовать так, как будто ты уже это умеешь. Конечно, такой подход не дает права называть себя художником, но в начале пути необходимо разрешать себе пробовать.

Я решила, «самоучка» — это моя история. Значит, суть моего пути не в том, чтобы пойти учиться, а в том, чтобы творить свободнее. Неважно, есть ли у тебя академическое образование или нет, нужно всегда быть «учкой», всю жизнь развиваться, искать, потреблять, находить.

А долго ли искала свой фирменный стиль?

— Моя первая работа «Опухоль депрессии» — абстрактная акварель. Я упражнялась в абстрактном стиле, у меня в голове тогда были цветовые плоскости. Потом я рисовала вилки, ложки, цветы, пейзажи, сакральную живопись… Все это было просто наработкой техники, овладением формой, но «то самое» еще не пробилось. Умиротворяющие пейзажи с зелеными лужайками были мне скучны, мне нужна экстатичность, контрасты!

Сейчас читаю труд «Абстракция и вчуствовавание» немецкого философа Вильгельма Воррингера. Он говорит, что абстрактное искусство — это некий страх перед жизнью, желание творца абстрагироваться от нее и уйти куда-то в нематериальный мир. А фигуративное искусство — то, где мы изображаем человека, предметы, пейзажи — это эмпатия и интерес к жизни, бесстрашие перед ней. 

Так у меня и получилось. Я рисовала абстракцию в то время, когда у меня не было открытости к жизни и бесстрашия. Со временем я стала проникать в жизнь, более плотно контактировать с людьми, поэтому мне захотелось писать фигуру. Я искала источник, откуда ключ бьет, и пришла к выводу, что он — в портретах, анатомии человеческого лица, в фигуре!

В течение всего пандемийного 2020 года я находилась в поиске своих смыслов. И как раз тогда я резко полюбила золото. Во-первых, стала его носить. А во-вторых, когда закрывала глаза, видела золотой свет, золотую пыль, диски, образы Древнего Египта… Помню сильно впечатлилась оперой «Эхнатон» Филиппа Гласса: меня буквально накрывало золотом! Однажды я решила попробовать написать на небольшом черном холсте женский портрет декоративной золотой краской. Результат мне понравился! Я нигде такого не видела. Золотые портреты в стиле поп-арт иногда делают на свадьбах, когда проклеивают фон, а потом высыпают на него блестки. А вот именно декоративной золотой краской не пишет никто! Это было то, что нужно. 

Ты нашла свою технику. Но при этом упомянула, что искала смыслы. Нашла?

— Недавно мне пришло сравнение, что мой художественный взор как своеобразный рентген. Глаза видят объект красочным и разноцветным, а если его просветить, он будет из тьмы и света, у меня — из пустоты, полноты и золота. 

Черный — это цвет бездны, космоса, почвы, он имеет и метафорический, и фрактальный смысл. Как росток рождается из земли, мы рождаемся из темной утробы, галактики, космической бездны. Люди побаиваются черного цвета, а, к примеру, в тантрической метафизике черный — это сумма всех цветов, он символизирует сумму всех энергий. 

Когда я впервые покрасила холст черной краской, думала, что мне будет страшно спать рядом с ним в комнате. Но мне было так уютно с ним, как не было никогда с другим цветом! Черный — как мать: спокойный, умиротворяющий, обнимающий. Он, как пристанище, из которого можно выйти и куда можно вернуться. 

Вообще, я не чернушник по вкусам, мне не нравятся арты с князем тьмы или странными существами. Для меня черный — это мощное метафизическое начало.

А золото?

— Золотой в психологии цвета — божественный цвет. Олдос Хаксли в эссе «Рай и ад» рассуждает о взаимосвязи между искусством, красочными объектами и скрытыми областями сознания. Он выражает мысль, что наша любовь к драгоценностям, камням, золоту, украшению храмов самоцветами — это все наша тоска по раю. Мы приходим в роскошно украшенный храм и вспоминаем о тонком мире, где необыкновенные по яркости и насыщенности цвета. Вот золото — это выражение божественной искры во всех феноменах нашей жизни, во всех формах, объектах, людях, цветах, пейзажах. 

Большую роль в расширении моего сознания сыграла философия тантризма. Из него я взяла тему всепринятия феноменов жизни без попытки отвернуться. У человека есть много внутренних запретов: это не ем, туда не хожу, это не принимаю, это плохо, это не понимаю и не хочу понимать… Я же склонна к принятию жизни на уровне всех явлений: красоты и уродства, приятного и отвратительного. Все эти грани — это проявление божественности, и по-настоящему гармоничным человеком можно быть тогда, когда твоя психика способна это все переварить. Всё пронизано божественным светом, и моё золото — об этом! Оно настолько моё, что мне не хочется больше никаких красок.

аудитория твоего творчества — это…?

— Моя аудитория — это осознанные люди с широким мировоззрением. Это не просто те, у кого есть деньги. Это люди, которые ценят классическую эстетику, духовность, любовь, внимание к миру. 

Есть интерьерные художники, которые пишут картины в разных техниках. Нужны красные маки? Тебе их нарисуют. Нужна парочка в дождливый день на фоне Эйфелевой башни? Сделают! А еще искусство может быть салонным или ориентированным на галереи — оно про контекст, смыслы, отсылки, самобытность художественного стиля. В искусстве современных художников много эстетики распада, деструктивного мира. Это пользуется спросом в самой конъюнктуре галерейного искусства. Часто галеристы отбирают на арт-ярмарки работы художников со спорной эстетической составляющей, на грани с уродством. Кто-то, наверняка, и это покупает. 

Но нельзя работать просто на рынок и на оправдание ожиданий заказчиков. Нужно услышать свой внутренний голос, а потом встретить свою аудиторию, качественного покупателя, который понимает, за что платит деньги — за зажигание той самой лампочки в его голове. Это стратерирование.

Стратегировние? Что это значит?

— Это оформление деятельности художника в плане формы со смыслом. Искусствовед Каролина Пескишева обозначила 27 художественных стратегий. Именно она сказала про внутренний голос, который должен распознать художник. 

Если человек хочет рисовать просто попки, он имеет на это право, но он должен четко себе признаться: «Я хочу рисовать красивые попки». И не бояться, что на это скажут тетя Валя или Маня. «Хочу попки! Попки — моё всё!» И они будут самыми красивыми и любимыми. А уже через эту форму он может поднимать определенные проблемы. 

Художнику нужно понять, о чем он хочет говорить, — это может быть тело, национальная идентичность, социальные проблемы, вопросы красоты и эстетики и так далее. Дальше нужно понять, кто и что уже говорил на эту тему. Затем — определиться, чем хочешь выделяться: смыслом, формой, персонажами, техническими особенностями работ, эстетикой. 

Очень важно быть в диалоге с художниками прошлого, чтобы качественный насмотренный зритель с хорошим образованием в твоих работах что-то узнавал. Современный художник Амоако Боафо пишет на тему своей национальной идентичности: на его картинах исключительно афроамериканцы. Но художественная форма его работ перекликается с работами Дэвида Хокни, который писал белокожую американскую элиту в голубых бассейнах. Амоако Боафо продал картину «Купальник в лимонах» за £675 тысяч! На картине женщина в купальнике в лимонах лежит на надувном матрасе в бассейне с голубой водой. Что увидит насмотренный зритель? Отсылку к картинам Хокни! Темнокожий Амоако пишет тот же бассейн и ту же перспективу, но изображает своих друзей, как бы говоря: «А теперь в ваших голубых бассейнах плавает другая элита: тетушка в лимонах». Это же гениально! Он берет и выворачивает американскую действительность наизнанку. Конечно же, это продается за большие деньги, потому что, когда человек это расшифровал (опустим тему маркетинга), он понял замысел художника. 

Не украл, а переосмыслил! Если заимствуешь и переосмысливаешь художника, который тебе нравится, ты вступаешь с ним в диалог. Можно говорить что-то свое, но использовать линию или жест с работ Боттичелли. И этот жест, который узнает зритель, кратно углубит заложенный в твой образ смысл. 

Ты упомянула маркетинг. Что сама делаешь для продвижения своих работ?

— Недавно маркетолог посоветовала мне чаще писать о том, что я вкладываю, в каких состояниях пишу, под какую музыку… Я ведь не просто пишу, когда есть свободных полчаса, я создаю свой «поток». 

Знакомый московский галерист посоветовал писать каждый день наброски. Он сказал так: «Если тебе нравится твоя техника и тебя от нее прет — делай! Напиши что-нибудь за два часа. Пусть это будет портрет, рука, пейзаж — не важно. Главное писать каждый день и выкладывать свои работы». 

Одна художница из Питера пишет каждый день новую графику и постоянно выкладывает в интернет. Она, конечно, не затрачивает 40 часов на одну картину, как я, но зато у нее есть почитатель, в коллекции которого 2000 её работ! И тут я задумалась: сейчас у меня 20 работ в наличии, из них 17-18 — на выставках. А что — если бы их было 30 за месяц?

Соцсети очень хорошо помогают формировать узнаваемость. Ты сам начинаешь создавать свою вселенную! Кстати, одна из художественных стратегий называется «Марсианские хроники», она про создание своих вселенных. Мне это подходит, потому что мой черно-золотой визуал как будто создает параллельный мир. Например, есть вселенная Marvel, и мы ожидаем у них увидеть определенные цвета, формы, сюжеты и так далее. Точно так же свои вселенные создают скульпторы и художники. 

Твои вселенные востребованы в Курске? Здесь, вообще, может заработать художник?

— Если быть художником, который делает все, что угодно, тогда в Курске можно себя чувствовать относительно нормально. Но если художник со своим стилем, визуалом, со специфической эстетикой, как у меня, это не может быть супервостребовано. Такие работы не могут хотеть все. Не думаю, что Курск готов к этому, а я не готова делать всё подряд. Я пишу то, что я хочу!